Appropriationnistes

  • “Pierre Ménard, auteur de Don Quichotte”

Borges, Verdevoye, Ibarra, Caillois, Verdevoye Paul, Ibarra Nestor, and Caillois Roger. Fictions. Nouvelle édition Augmentée (1983) ed. Paris: Gallimard, 1993. Print. Collection Folio 614.

Nouvelle de J.-L. Borges prenant la forme d’un article critique sur l’oeuvre de Pierre Ménard, dont la pièce maîtresse est une réécriture du Quichotte de Cervantès : “[…] j’ai contracté le mystérieux devoir de reconstituer littéralement son œuvre spontanée. Mon jeu solitaire est régi par deux lois diamétralement opposées. La première me permet d’essayer des variantes de type formel ou psychologique : la seconde m’oblige à les sacrifier au texte « original » et à raisonner cet anéantissement avec des arguments irréfutables… À ces entraves artificielles il faut en ajouter une autre, congénitale. Composer le Quichotte au début du XVIIe siècle était une entreprise raisonnable, nécessaire, peut-être fatale ; au début du XXe, elle est presque impossible. Ce n’est pas en vain que se sont écoulées trois cents années pleines de faits très complexes. Parmi lesquels, pour n’en citer qu’un : le Quichotte lui-même.”

  • Voir les travaux de Mike Bidlo

Au début des années 1980, Mike Bidlo, artiste conceptuel, entreprend une oeuvre “appropriationniste” (voir aussi Glenn Brown et Sturtevant) et contribue ainsi au discours, alors très présent en art contemporain, sur l’authenticité et l’histoire de l’art qui tournerait en boucle. Ainsi, si toute oeuvre est un palimpseste, alors Mike Bidlo rend celui-ci évident et visible dans ses séries : NOT Picasso, NOT Chirico, NOT Andy Wahrol, NOT Man Ray, NOT Fernand Léger… En 1984, Mike Bidlo recrée la Factory de Wahrol pour un après-midi.

  • L’art dans l’art : littérature, musique et arts visuels
    Lemardeley, Marie-Christine (Editeur scientifique); Brugière, Bernard (Editeur scientifique) (Préfacier); Topia, André (1943-2014) (Editeur scientifique)
    Paris : Presses Sorbonne Nouvelle ; 2018 ; “Monde anglophone” ; OpenEdition

    EAN électronique : 9782878548389

“L’art autarcique existe-t-il ? Tout art n’est-il pas un art dans l’art ? À partir d’études sur la littérature anglophone des XIXe et XXe siècles, les auteurs de ce volume s’interrogent sur les différents modes de présence d’un art dans un autre : citation, montage, appropriation, greffes, etc. Parmi les formes d’interaction examinées : le tableau dans le tableau, la photographie et la musique dans l’écriture, l’architecture et la sculpture dans le roman, le poétique travaillé par le pictural, les résonances littéraires, picturales ou théâtrales de l’art cinématographique.”

Marcangeli, Catherine.  In : L’Art dans l’art [en ligne]. Paris : Presses Sorbonne Nouvelle, 2000 (généré le 03 mai 2021). Disponible sur Internet : <http://books.openedition.org/psn/3957>. ISBN : 9782878548389.

L’art sur l’art. En adoptant une position de plus en plus critique envers la citation d’œuvres d’art4 certains artistes contemporains mettent en avant non seulement la généalogie de leurs images, mais aussi le déplacement qu’elles opèrent ; de souterrain, le « travail de la citation » devient alors l’objet même de l’œuvre, appelant un nouveau protocole de lecture.”

Trespeuch, Hélène. In Katia Schneller; Vanessa Théodoropoulou. Au nom de l’art. Enquête sur le statut ambigu des appellations artistiques de 1945 à nos jours, Publications de la Sorbonne, pp.85-96, 2013, 2859447393.

” […] il s’agira [plutôt] d’analyser deux tendances artistiques qui apparaissent aux États-Unis entre la fin des années 1970 et le milieu des années 1980: l’appropriationnisme et le simulationnisme. Dans le premier groupe se trouvent, entre autres, les œuvres de Barbara Kruger, Louise Lawler, Robert Longo, Richard Prince ou encore Cindy Sherman… Parmi les représentants du second groupe figurent Jeff Koons, Haim Steinbach, Peter Halley, Philip Taaffe ou encore Ross Bleckner. Si visuellement leurs travaux ont peu de ressemblances, conceptuellement leur démarche peut paraître comparable. En effet, les uns comme les autres interrogent l’originalité de l’œuvre d’art. Toutefois, il serait incorrect de postuler que ces deux « ismes » pourraient fusionner pour constituer une seule et même catégorie, héritière de Dada et du Pop art. Au contraire, cet article se propose de souligner que, sur le plan théorique, ces deux tendances sont des sœurs ennemies : l’une se positionnant dans l’héritage critique des avant-gardes, l’autre donnant l’impression de le liquider. L’histoire de l’art des années 1980 se doit de faire une place à ces importantes divergences.”

Langlois, Monique. Espace Sculpture no 35 (1996) : 21–24.

J’avoue que lorsque Frank Morzuch m’a demandé d’être commissaire pour une exposition qui porterait sur le concept d’appropriation, j’ai eu quelques hésita- tions d’autant plus que son installation code 46 servirait d’oeuvre-source. En effet, les emprunts conceptuels ou structu- raux, ou tout simplement de motifs, se font généralement entre artistes ayant vécu à des moments différents, donc à l’insu de celui faisant l’objet de l’emprunt. Sans compter que la question se posait à savoir si des artistes accepteraient de s’approprier consciemment l’oeuvre de quelqu’un de la même génération qu’eux. C’est l’une des raisons qui m’ont incitée à envisager ce projet comme une expérience et à mettre l’accent sur la recherche afin de favoriser une attitude scientifique de la part des participants. Afin de contrôler le plus exactement possible les effets des appropriations, mon choix s’est porté sur des artistes oeuvrant dans différentes spécialités des arts visuels et de faire état des étapes de production de l’oeuvre.

 

Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search